『ザ・ブルータリスト』レビュー：魅惑的な叙事詩

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『ザ・ブルータリスト』は、大きな問いを投げかける壮大な映画であり、その野心の大きさとスケールにふさわしい215分という途方もない上映時間を誇る。まるでアメリカの名作小説から飛び出してきたかのような登場人物たちが登場するドラマで、第二次世界大戦後のアメリカを舞台に、愛情を込めて再現された世界観は、観客を形式主義的で夢のような世界に誘う。『ゴッドファーザー』『天国の門』『マスター』『ゼア・ウィル・ビー・ブラッド』といった、過去のアメリカを象徴する大作と比較されるのも無理はない。しかし、本作はそれらの映画よりもかなり少ない制作費で制作されている。

この映画には、ポール・トーマス・アンダーソンのような作家たちの痕跡が色濃く残っている。アンダーソンは過去に、特定の社会、経済、産業システムの抑圧を探求してきたが、それは『ブルータリスト』に影響を与えただけでなく、その創作全体を導いたように思われる。中には、本作は精神的な先人たちへの負い目があまりにも明白であり、同様に野心的な他の叙事詩の美学や外観を再現しようとする試みは自意識過剰すぎると主張する人もいるだろう。しかし、『ブルータリスト』の映画的試みの自意識過剰さこそが重要なのだ。本作は、観客が知っているようでいて忘れてしまっているかもしれない視覚言語に、観客を根付かせようとする映画であり、特に『ブルータリスト』にインスピレーションを与えたような壮大な大人向けドラマへのハリウッドの関心がかつてないほど低下しているように見える時代に、そうさせている。

壮大な芸術的ビジョンを追求することの価値と代償を描いた壮大な映画です。主人公は移民で、彼の夢はあまりにも大きく、社会的・経済的地位の乏しい男には到底達成できるものではありません。その夢を実現するために、彼は自らの人生の一部を犠牲にしなければなりません。大きな夢を叶えるには、往々にして夢想家自身の資産を超える資金が必要となるこの世界では、まさにこれが現実です。

『ブルータリスト』は、これまでの多くの移民物語と同じ場所、つまり、きしむ金属製の船の暗く窮屈な空間から始まる。船の汽笛が鳴り響く中、ホロコーストを生き延びたハンガリー系ユダヤ人、ラースロー・トート（エイドリアン・ブロディ）は、真っ暗な船底から明るい上部デッキへと這い上がろうと奮闘する。ようやくたどり着いたトートは、見上げると、自由の女神像が彼の眼前にそびえ立っているのを目にする。監督のブラディ・コーベットと撮影監督のロル・クローリーが見事に手持ちカメラでパンし、移民を歓迎するアメリカの象徴である自由の女神像が、当初は歪んで逆さまに映っている。劇場に衝撃のどよめきを誘うこの瞬間は、『ブルータリスト』のミッションステートメントに最も近い。それは、私たちが追い求める夢は、往々にして想像していたものとは違う結果になるという警告なのだ。

『ザ・ブルータリスト』は、ニューヨークからフィラデルフィアへ移り住み、妻のオードリー（エマ・レアード）と共に新興の家具店を営む従弟のアッティラ（クレイヴンのアレッサンドロ・ニヴォラ）と暮らすラズロを追う。アッティラがユダヤ人としてのアイデンティティを隠すためにどれほど努力してきたか、また従弟がそうする必要性をいとも簡単に受け入れているように見えることを知ったラズロは、当然ながら愕然とする。それでもラズロはアッティラのために働き始め、やがて二人はハリー・リー・ヴァン・ビューレン（適度に傲慢なジョー・アルウィン）から、裕福な実業家である父ハリソン（ガイ・ピアース）の埃っぽい個人書斎の改修を依頼される。

3時間を超える上映時間にもかかわらず、『ザ・ブルータリスト』は最初の1時間を驚くほどのスピードで駆け抜ける。コーベットと共同脚本家のモナ・ファストヴォルドによる脚本は、観客をラズロの移民の旅だけでなく、彼の才能にも引き込むという見事な仕事をしている。観客は、誰かが彼の可能性を見出す瞬間を、心待ちにしながら、ハラハラドキドキしながら待つ。そして、ハリソンがラズロを探し出し、彼とアッティラによる改修工事に対する当初の否定的な反応を謝罪し、戦前のヨーロッパでの彼の仕事について尋ねる瞬間が訪れる。ナチスに「好ましくない」とみなされる前に設計した建物の写真を目にしたラズロは、涙を流す。ラズロの感情的な反応に好奇心を掻き立てられたハリソンは、すぐにこのブルータリスト建築家を自身の上流社会に迎え入れ、ペンシルベニア州の田園地帯に新しい建物の設計を依頼する。

この仕事は、あっという間にラースローの起きている間ずっと続く。ナチスによって無理やり引き離された妻のエルジェーベト（フェリシティ・ジョーンズ）がヨーロッパから移住し、アメリカで彼に加わった後も、ラースローはずっとこの仕事に追われ続ける。ハリソンとのパートナーシップに、ラースローは、単に時間と政治の侵食に抵抗するだけでなく、ホロコーストで彼と彼の人々が苦しんだ痛みの記念碑としても立つ、もう一つの建物を創るチャンスを見出していた。 『ブルータリスト』第1幕の重要な会話で彼が述べているように。しかしこの構想に生命を吹き込むためには、ハリソンの激しい気分の起伏や、ラースローと彼の最新の夢に対するハリソンの金銭的支配の警告を乗り越えなければならない。『ブルータリスト』は、注目すべきことに、この葛藤を映画『ゼア・ウィル・ビー・ブラッド』風の意志の戦いとしてではなく、ラースローのような移民アーティストが単に耐え、生き残らなければならないもう一つのプロセスとして描いている。

『ブルータリスト』は、ハリソンによるラズロへの長年にわたる虐待と巧妙な操作を宿命論的なタッチで描いている。ラズロがアメリカへの船旅中に負った怪我の痛みを和らげるために服用するヘロインとは異なり、この映画の胸が張り裂けるような迫力に観客は麻痺することはない。むしろ、ジョーンズとブロディがそれぞれ異なる厄介な形で表現するように、過去のトラウマが肉体的にも骨の髄までも彼らに影響を及ぼしたラズロとエルジェーベトへの同情心は深まるばかりだ。共演者2人とは対照的に、ピアースは『ブルータリスト』で圧倒的な演技を披露し、冒頭から驚くほどの自信に満ちたハリソンを演じ、少なくともしばらくの間は彼の魅力に引き込まれてしまう。ラースローを支配したいという彼の欲望の全容は、『ザ・ブルータリスト』の最高にして最も吐き気を催すシーン、つまり世界の美を尊重し称えたいと願う人々と、単にそれを自分のものにしたいと願う人々との間の差異を印象深く捉えたイタリアの山岳地帯への短い旅でついに明らかになる。

映画監督として、コーベットは大胆な挑戦を恐れるタイプではない。彼の過去2作、2015年の『リーダーの幼少期』と2018年の『ヴォックス・ラックス』がその証拠だ。しかし、コーベットが『ブルータリスト』ほど、常に称賛に値する芸術的野心と、シニカルで時に限定的な視点をうまく組み合わせることに成功した作品はかつてなかった。 『ヴォックス・ラックス』同様、この映画も技術の高さは否定できない。コーベットの安定した計算された演出とクローリーの雰囲気がありシュールな撮影法に加え、『ブルータリスト』は作曲家ダニエル・ブルンバーグのパーカッシブな音楽の恩恵も受けている。その音楽は終始力強く進み、映画を前進させ、感情のうねりと壮大さを吹き込み、その壮大な物語をより効果的にしている。

コーベットはここで、登場人物とその物語に特有の、そして同時に時代を超越した、ある種の苛立ちと絶望を捉えている。「彼らは私たちをここに必要としていない！」と、ラースローはクライマックスの口論の中でエルジェーベトに叫び、アメリカで本当に歓迎されることはないだろうという彼女の信念を慰める。問題は、ヨーロッパでも彼らは歓迎されていなかったということだ。エルジェーベトは、自分とラースローにとっての安息の地となるイスラエルという夢を必死に持ち続けようとするが、『ザ・ブルータリスト』が圧倒的な精度で描き出しているのは、私たちの誰もが価値を感じ、安全を感じられる場所などどこにもないという感覚だ。それは暗い考えだが、何十年もの間、そして今もなお真実だと感じられている。

たとえこの世界が私たちのアイデアを歓迎しないとしても、だからといって諦めなければならないわけではありません。どんなに壮大な夢でも、実現する方法はまだあります。 6年かけて制作された映画『ザ・ブルータリスト』は、そのことを証明しています。私たち皆が自問すべき問い、そして『ザ・ブルータリスト』が問いかけているのは、夢を実現するためにどれだけの苦痛に耐えられるかということです。どの時点で、犠牲が報酬を上回るのでしょうか？言い換えれば、創造こそがどれだけの勝利と言えるのでしょうか？

『ザ・ブルータリスト』は12月20日金曜日に一部の劇場で公開されます。